2025 年7⽉24⽇、ヴィクトリア&アルバート博物館（V&A）サウスケンジントンで「GO FOR KOGEI 2025」シンポジウムが開かれた。このシンポジウムでは、「⽇本の⼯芸」と「⽇本の伝統」に関する既存の概念を問い直し、とくに制度の外で活動する女性アーティストや制作者に焦点が当てられた。女性アーティスト、サブカルチャーやディアスポラのアーティスト、その他の⼯芸専⾨家など、幅広い講演者を招いて、⼀⾒なじみのある⽇本の⼯芸というテーマに対する新たな光を当てるという試み。
企画者の菊池裕⼦によるリポートをお届けする。
⽂：菊池裕⼦（ヴィクトリア・アンド・アルバート博物館・学術プログラム部⾨部長） 2025.10.14
原文：https://bijutsutecho.com/magazine/insight/31510（美術手帖web）
「GO FOR KOGEI 2025」 シンポジウム、第２部の様⼦ ⼯芸の新たな伝統への挑戦：領域を超えた現代アーティストの活⼒に満ちた活動性
第1部：基調講演と問題提起
午前中の第1部では、⽇本の閉じられた⼯芸議論をグローバルな現代的視点と接続する試みがなされた。基調講演を務めたのは、ヴィトラ・デザイン・ミュージアムのグレン・アダムソン（Curator-at-Large）である。アダムソンは現代⼯芸論の第⼀⼈者で、この20年のあいだに批評的分野としての「⼯芸」研究を確立してきた⼈物である。講演「未知なる世界へ：⺠藝の未来」では、柳宗悦の⺠藝運動を出発点に「無名性」のパラドックスを論じた。植⺠地や周縁、女性といった無名化の背後に潜む権⼒を指摘しつつ、そのアイデアがシュルレアリズムやSF、⽇常芸術の創造性と接続する可能性を語った。また、現代の女性アーティストが無名性を逆⼿に取り、新たな創造性を切り開く事例を取り上げ、希望を⽰した。
続いて、本シンポジウムの企画者である菊池裕⼦は「秘められた芸術的な破壊⼒：KUTANismを牽引する女性アーティストたち」と題して発表した。九⾕焼の「伝統」が男性中⼼に規定されるなか、女性作家は限られたカテゴリー（主に染織、⼈形）においてでしか認められてこなかった問題を指摘した。また、⼈間国宝制度に反映されるジェンダーや⼈種差別、それを踏襲する欧米美術館の収集姿勢の問題を批判的に捉えた。また、帝国主義的な権⼒の下で「⼯芸の国」として位置付けられてきた⽇本の位置とアフリカ、アメリカ先住⺠女性⼯芸作家の位置付けが、⼈種とジェンダーのインターセクショナルな問題につながっていることにも⾔及した。それをふまえ、現代の女性作家が新たな九⾕焼の伝統を創出する姿を吉村茉莉、牟⽥陽⽇らの作品を通して紹介し、持続可能性への希望を語った。
さらに、⼭⽥雅美（V&Aアジア部⾨キュレーター）は「伝統を超えて：V&Aにおける⽇本の現代⼯芸の収集」を発表。輸出⼯芸や⼈間国宝を基盤にしてきた収集⽅針が、1990年代以降の展覧会を契機に女性作家の作品を取り入れ、メディア横断的な展⽰へと変化してきた経緯を報告した。来年には女性漆芸作家の作品を初めて収蔵展⽰する予定も紹介された。
第2部：女性アーティストによる実践と議論シンポジウムの意義と成果
午後の第2部では、佐々⽊類（ガラス）、スーザン・ロス（漆）、牟⽥陽⽇（陶）、細野仁美（陶）という⾦沢に縁のある4⼈の女性アーティストがプレゼンテーションを⾏った。その後、⼈種やジェンダーに精通する⼯芸史研究者ターニャ・ハロッドがモデレーターを務め、パネルディスカッションが展開された。各作家は⾃らの素材や⼯程に根差した創造的実践を語り、⼯芸とコンセプチュアルアートの境界を越える姿勢を共有した。
佐々⽊類は、空間や環境に働きかける主体的な五感の使い⽅と、技術の運⽤とコンセプトの統合を重視する制作態度を語った。彼女の制作は「⼯芸かコンセプチュアルアートか」といった従来の領域規定にとらわれず、技術や素材を柔軟に扱うことによって、既存の枠組みを超える表現を追求している。
41 年間⽇本に在住したスーザン・ロスは、⼈間国宝2⼈の師匠から漆作家としての技術と姿勢を学ぶいっぽうで、輪島塗と⼈間国宝の閉鎖的な世界において、⽩⼈かつ女性であることによる排除を経験した。その体験は、伝統的な⽇本⼈作家には思いつかない漆の使い⽅や表現⽅法を探求する動機となった。ロスはまた、漆の伝統保存をうたういっぽうで材料や道具の枯渇や、国産漆の規定を満たせなくなる現状に対しても厳しい批評を向け、⽇本の社会が向ける伝統に対する投げやりな態度に警鐘を鳴らした。
ロンドンのゴールドスミスカレッジでコンセプチュアル・アートを学び、九⾕焼へ移⾏した牟⽥陽⽇は、素材や⼯程を問わずコンセプトを応⽤できることを強調した。とくに、⼿の感覚でつくられた凸凹の表⾯と絵の表現が⼤きな物体により⼀体化され、知覚に訴える迫⼒を⽣む計画的な恣意についての説明は、領域意識を⾃然に崩すものだった。また、⽇本社会に根強く存在するジェンダー問題や⺠俗神話の図像（「⼭姥」「⼭女」）への関⼼、神と女性、⼈間と非⼈間の境界の曖昧性に惹かれる⾃⾝の視点も⽰された。
18 年間ロンドンを拠点に活動する細野仁美は、⾦沢のローカル⽂化やジェンダーの意識を反映した作品を紹介した。片町の夜の街の女性や北陸の食⽂化を題材に、九⾕焼の⾚絵や漫画的表現、18世紀ヨーロッパ風の植物装飾などが融合したグロテスクな美を追求している。彼女の作品は、技術偏重の⽇本的⼯芸や装飾過剰と⾒なされがちであるが、⾦箔や精神性、⽂化の記憶を介した意味づけがあることが強調された。
佐々⽊、ロス、牟⽥、細野に共通するのは、伝統や⽂化の固定化に縛られず、コンセプト・装飾・技術を統合した複雑な制作態度である。時間の概念も重要視され、長い時間をかける制作や、女性のライフスタイルに適応した時間感覚が反映されている。また、伝統技術への尊敬を持ちつつも、⾃らの主体性や創造性を優先する「よそ者」としての関係性が創造の原動⼒となっている。素材に対する感覚や評価も、1000年以上⽣き残る磁器・ガラス・漆の性質と現代の社会意識が混ざり合うことで、作品の表現や性格を決定づける要素となっている。
「GO FOR KOGEI 2025」 シンポジウム、第２部の様⼦
第3部「グローバルな現代の職⼈という視点からの講演」
昼食後の第3部では、ミケランジェロ財団エグゼクティブ・ディレクター、アルベルト・カヴァッリが登壇。「美の道：⽇本の⼯芸と美への道」と題し、⽇本の⼯芸に触発された職⼈養成プロジェクト「Homo Faber」の意義について熱意をもって語った。観客を引き込むパフォーマティブな講演は⼤きな印象を残した。 「GO FOR KOGEI 2025」 シンポジウム、第３部、アルベルト・カヴァッリの発表の様⼦
第4部「⼯芸の⺠主化―都市、消費社会、漫画・アニメ・サブカルチャーを通した今⽇の表現物としての⼯芸」
休憩後の第4部では、「⼯芸の⺠主化：都市、消費社会、漫画・アニメ・サブカルチャーと今⽇の表現物としての⼯芸」をテーマに議論が⾏われた。まず「GO FOR KOGEI 2025」アーティスティック・ディレクターを務める秋元雄史が、1950年代以降の走泥社の活動に始まり、2010年代以降の個⼈作家による現代⼯芸の現状に⾄る背景を説明した。その後、第2部同様に、岩村遠（陶）、シゲ・フジシロ（ガラス）、川井雄仁（陶）の3名によるプレゼンテーションが⾏われ、秋元がモデレーターとしてパネルディスカッションを進⾏した。
岩村遠は、ポップカルチャーと埴輪に触発されたネオ縄⽂シリーズを紹介した。カラフルで⼤きな頭を持つ⼈形のような作品を通じて空間を構成するインスタレーションを制作しており、漫画やポップカルチャーが⽇常の⼀部であることから⽣まれる表現がもっとも⾃然であると語った。制作過程では、粘⼟のひもづくりを⽤いたゆっくりとした積み上げのプロセスが思考や⽅向性、素材と⾝体の相互作⽤を促すと述べた。
シゲ・フジシロはファッションへの関⼼を起点に、安全ピンに多⾊のガラスビーズを取り付ける作品や、ブランドロゴ入りショッピングバッグをモチーフとしたシリーズを紹介した。危険性を隠し消費社会化されるものへの批評を述べ、制作の過程は編み物のように⼿作業で進めながらも、頭が同時に⾼速で回転することを説明した。
川井雄仁は、⼀⾒パステルカラーの菓⼦の⼭のように⾒える作品に、ペニスの突起や腐敗を連想させる液体などの要素を織り込み、社会からの疎外感や抑圧の存在を視覚的に⽰した。英国での経験を通じ、⽇本性と技術の完璧さの関係、英米におけるコンセプト重視の⽂化、そして⽇本の⽇常やヒエラルキーの少ない社会を意識する点について語った。
第2部のパネルの女性作家と同様、グローバルな経験をもつ3名の作家は「⽇本性」「⽇本⼈」であることを外から考えさせられることは多々あるが、⼿塚治⾍の漫画がディズニーの影響を受けているように、ポップカルチャーはグローバルな⽂化的交差の創造現象であることを強調し、現代⽇本性の特定が容易ではないことを指摘した。
また制作過程における時間の重要性も⾔及された。岩村は粘⼟積み上げのゆっくりとしたプロセス、フジシロは⼿作業の同時進⾏による思考の⾼速化を例に挙げ、時間の質が表現の形成に不可⽋であることを⽰した。また、「アート」とは区分される「⼯芸」という領域は、商業ギャラリーや美術館での展⽰や分類⽅法によって強く規定されるが、近年では再考の動きが⾒られることも報告された。
観客から、第2部でジェンダー問題に焦点が当たったいっぽう、第4部ではジェンダーやクィアに関する議論がほとんどなかったことへの質問があった。これに対しては、抑圧されたマイノリティとしての視点は作品に込められているものの、本当にそれがジェンダーの問題からきているかはわからないため注意深く発⾔を選んでいるといった意⾒や、作品を語る上でジェンダーの問題を優先的に語る必要性を強く感じていないといった回答がみられた。このやりとりを通じて、ジェンダー議論を⽇本の現代⼯芸作家と続けていきたかった質問者とのあいだには、双⽅の⽂化的違いが⾒られた。
まとめ
本シンポジウムは、アーティスト、キュレーター、研究者が⼀堂に会し、ジェンダー、領域横断性、地域⽂化、現代視覚⽂化といった観点から「⼯芸の現在地」を議論した。⽬的はふたつあった。第⼀に、⽇本の⼯芸をポストコロニアルな地域史の⽂脈から再考すること。第⼆に、欧米で展開されている⼯芸のポストモダン的議論を紹介し、⽇本の⽂脈に接続することである。参加者数は約100⼈にのぼり、従来の⽇本⼯芸関連のシンポジウムに比べ異例の盛況を呈した。とりわけジェンダー問題に関⼼を持つ聴衆が多く、議論の深さに刺激を受けたという感想が寄せられた。従来の「⽇本⼯芸」の安定的イメージに留まらず、現代的課題を批評的に共有し議論する場を提供したことは⼤きな成果である。 まとめとして菊池は、「⽇本」「⼈種」「伝統」「⼯芸」という概念をグローバルな視点から問い直しが始められたことを強調した。さらに、⼈間の本能的な⾏為としての「つくる」営みがAI時代にも揺るがない価値を持ちそうであること、女性作家の静かだが確固たる挑戦が未来においてより可視化されるであろうことを指摘し、シンポジウムを締めくくった。 以上のように、本シンポジウムは、⽇本の⼯芸を取り巻くジェンダー的・制度的課題を批評的に浮き彫りにし、同時にグローバルな視座をもって未来の⼯芸の可能性を提⽰する場となった。学術的にも実践的にも⼤きな意義を持つものであったといえる。
